Bernardo d’Orey : de Patek Philippe à Lisbonne, la marqueterie de paille comme langage artistique
La marqueterie de paille est une technique rare, extrêmement délicate et pratiquement inconnue du grand public. Traditionnellement associée aux arts décoratifs et au mobilier, elle a récemment trouvé un nouveau territoire d’expression dans l’horlogerie contemporaine à travers le travail de Bernardo d’Orey.
Installé depuis peu au Portugal, Bernardo développe un travail profondément lié à la lumière, à la couleur et à la transformation visuelle de la matière. Dans son atelier de marqueterie des Avenidas Novas, à Lisbonne, nous avons longuement parlé de son parcours, de la philosophie de l’artisanat, de l’horlogerie contemporaine et de ce qu’il recherche vraiment lorsqu’il crée un cadran.
L’espace où il travaille reflète précisément cette approche : un lieu entièrement consacré au faire, sans artifices ni mise en scène. Sans hésiter et sans cacher le processus, il se met à l’ouvrage pour nous expliquer comment il travaille et comment il construit ses cadrans. Bernardo reste penché sur la table pendant des périodes courtes et intenses — « comme quelqu’un qui fait de l’apnée », décrit-il — dans une concentration absolue sur des gestes minuscules et des matériaux fragiles. En regardant autour de soi, il devient inévitable de penser aux infinies combinaisons possibles entre formes, textures et couleurs ; après tout, ce sont ces éléments qui continuent de définir, dans une large mesure, l’identité visuelle de l’horlogerie mécanique contemporaine.
Voici la transcription de la conversation que nous avons eue avec Bernardo, elle aussi sans secrets ni filtres :
Comment a commencé ton parcours jusqu’à la marqueterie de paille ?
Mon parcours a commencé assez loin de l’horlogerie. Je suis d’abord passé par l’hôtellerie, puis je suis entré dans l’univers du luxe et des objets rares. C’est à cette époque que j’ai travaillé chez Louis Vuitton et, par la suite, également chez Patek Philippe, des expériences très importantes car elles m’ont permis de mieux comprendre la relation émotionnelle que les gens nouent avec des objets particuliers.
Plus tard, j’ai aussi travaillé dans le commerce de bijoux anciens et j’ai développé un intérêt de plus en plus grand pour les arts décoratifs et les travaux manuels. La marqueterie de paille est apparue dans ce parcours presque comme une découverte naturelle et a fini par devenir le centre de mon travail.
Qu’est-ce qui t’a fasciné dans cette technique ?
Au fond, ce qui me fascine dans la marqueterie de paille, c’est de partir d’une matière première extrêmement pauvre — la paille de seigle — et de la transformer en une matière noble.
Il y a presque une dimension alchimique dans ce processus. Je me sens un peu comme un alchimiste qui transforme une matière humble en une matière précieuse.
Mais ce qui m’intéresse vraiment, ce n’est pas tant le dessin en lui-même. Ce qui me fascine, c’est la brillance, la couleur et la perception de la matière.
J’aime travailler la paille de façon à créer presque l’illusion d’une autre surface, d’une autre texture, d’une autre profondeur.
La lumière semble jouer un rôle central dans ton travail.
Complètement. La lumière est essentielle.
La paille possède naturellement ce que j’appelle un vernis de silicium, qui lui donne cette brillance très particulière. Je n’applique aucun vernis sur la paille. La brillance existe déjà naturellement.
C’est pourquoi je vérifie constamment le travail dans différentes conditions de lumière. Je travaille au microscope, en lumière blanche, en lumière jaune, mais je me lève sans cesse pour aller à la fenêtre observer le résultat à la lumière naturelle.
C’est la lumière qui donne vie au travail.
Y a-t-il des références dans l’horlogerie qui t’ont particulièrement inspiré ?
Je suis un grand admirateur de Kari Voutilainen.
Curieusement, ce qui m’impressionne le plus dans ses montres, ce n’est pas seulement le mécanisme. C’est surtout le cadran. La manière dont il travaille la lumière sur les cadrans me fascine profondément.
J’entre beaucoup dans la montre par l’émotion visuelle. Et c’est précisément ce que j’essaie de créer à travers la marqueterie de paille.
La technique devient-elle plus difficile lorsqu’elle est appliquée à l’horlogerie ?
Beaucoup plus difficile.
La paille est une matière extrêmement délicate et organique. Plus la surface est petite, plus la marge d’erreur l’est aussi. Sur un cadran de montre, je travaille souvent avec une tolérance inférieure au dixième de millimètre.
Chaque fibre doit être placée exactement au bon endroit. Et le moindre geste peut compromettre des heures de travail.
De plus, cela exige une concentration énorme.
J’ai l’habitude de dire que je travaille presque « en apnée ».
Je n’arrive pas à travailler deux heures d’affilée. Je travaille par blocs d’une demi-heure ou de quarante-cinq minutes, puis j’ai besoin de m’arrêter, de respirer et de regarder à nouveau pour voir si tout reste équilibré.
Il arrive un moment où l’on ne voit tout simplement plus les erreurs.
Y a-t-il de la place pour l’improvisation ?
Oui, beaucoup.
Je pars toujours d’une idée initiale, mais je laisse beaucoup de place à ce que la matière elle-même me suggère. Chaque paille est différente. Il y a des taches, des nuances, de petites irrégularités et des variations de couleur.
Ce qui pourrait sembler un défaut peut devenir une qualité selon la façon dont il est intégré à l’ensemble. Et c’est précisément là qu’intervient l’improvisation.
Y a-t-il une étape particulièrement difficile ?
Toutes les étapes sont extrêmement délicates.
Ouvrir la paille, l’aplatir, la couper, la coller, appliquer ensuite l’ensemble sur le cadran… le moindre geste peut détruire tout ce qui a été fait auparavant.
Mais cela ne me frustre pas. Au contraire. Ce qui me motive, c’est précisément de sentir que je peux encore faire mieux.
J’espère ne jamais perdre cette sensation. Je crois que tout artisan vit ainsi. Comme un pianiste qui monte sur scène après cinquante ans de carrière et continue d’avoir le trac avant de jouer.
Cette fragilité me donne l’énergie de continuer.
Comment vois-tu le rôle des métiers d’art dans l’horlogerie contemporaine ?
J’ai une vision très particulière de l’horlogerie contemporaine. Je pense que, d’un point de vue purement mécanique, presque tout a déjà été inventé.
Bien sûr, il y aura toujours de l’innovation, mais il existe aujourd’hui un champ pratiquement infini à explorer dans la dimension artistique de la montre : décoration, cadrans, finitions, identité visuelle.
La montre a cessé depuis longtemps d’être un simple instrument utilitaire. Elle est devenue un objet artistique, émotionnel, presque un bijou.
Et c’est précisément là que les métiers d’art peuvent faire toute la différence.
Penses-tu qu’il existe aujourd’hui une véritable valorisation de l’artisanat ?
Je pense que oui, de plus en plus.
Nous vivons dans un monde profondément standardisé. Et c’est justement pour cela que grandit le désir de posséder quelque chose de rare, d’humain et d’unique.
Les gens veulent posséder une montre que personne d’autre n’a. Ils veulent connaître l’histoire de l’objet, savoir qui l’a fait, quelles sont les motivations de cette personne, quelle est la philosophie derrière le travail.
Et c’est là que l’artisan peut faire la différence.
Comment sont nées tes collaborations avec des marques de montres ?
La collaboration avec Isotope Watches est née de façon très spontanée, grâce à un contact lié à l’Instituto Português de Relojoaria.
La collaboration avec Louis Erard, elle, est partie de ma propre initiative. J’ai pris contact, j’ai montré mon travail et nous avons entamé un long processus de discussion et de développement.
J’ai aussi développé d’autres projets en dehors de l’horlogerie, notamment en joaillerie et en sculpture.
Y a-t-il un projet particulièrement marquant ?
Le cadran créé pour célébrer l’Année du Serpent a probablement été le projet le plus complexe que j’aie réalisé à ce jour.
Il y avait plus de deux cents petits triangles, d’environ deux millimètres chacun, appliqués un à un. Je savais que ce serait extrêmement difficile, mais j’ai réussi à mener le projet jusqu’au bout grâce aussi aux conseils de Rose Saneuil, qui a joué un rôle très important dans ce processus.
Y a-t-il un travail qui, selon toi, représente particulièrement bien ce que tu fais ?
J’aime beaucoup les motifs classiques comme le damier ou le chevron, car lorsqu’ils sont bien exécutés, ils possèdent une force visuelle énorme.
Mais il y a deux travaux qui, en ce moment, représentent peut-être le mieux ce que je recherche. L’un s’appelle Bubbles, inspiré de bulles d’air. L’autre est Broken Ice, qui cherche à reproduire la sensation d’une plaque de glace fissurée.
Ce type de travail me permet d’explorer des mélanges de couleurs, la profondeur et de subtiles gradations de lumière, qui sont précisément les choses qui m’intéressent le plus.
Tu t’es récemment installé au Portugal. Cela influence-t-il ton travail ?
Beaucoup.
Je suis venu surtout pour des raisons familiales, mais je suis profondément heureux d’être au Portugal. Il y a ici une énergie très particulière.
J’ai le sentiment qu’on commence enfin à prendre davantage conscience de la qualité des artisans portugais et de l’énorme potentiel créatif qui existe dans le pays.
Pendant longtemps, le Portugal n’a pas su communiquer la qualité de son travail. Aujourd’hui, cela commence à changer.
Penses-tu que le Portugal puisse devenir un écosystème important lié à l’horlogerie indépendante et aux métiers d’art ?
Je pense que oui. Le grand problème du Portugal a toujours été avant tout un problème de marketing.
Nous avons tendance à nous dévaloriser. Mais la perception internationale du pays a beaucoup changé ces dernières années. Aujourd’hui, la qualité du travail, la créativité et la capacité technique sont reconnues.
L’important maintenant est d’éviter que le Portugal ne soit vu que comme un pays bon marché. L’objectif doit être d’affirmer la qualité.
Qu’aimerais-tu encore explorer à l’avenir ?
J’aimerais continuer à approfondir ce que je fais aujourd’hui.
Il y a une technique que j’ai développée et que j’appelle « écailles de dragon », que j’aimerais beaucoup continuer à explorer, en particulier appliquée à l’horlogerie. Elle est techniquement très exigeante car elle implique une certaine épaisseur, mais elle possède un énorme potentiel visuel.
J’aimerais aussi explorer des combinaisons avec la feuille d’or et d’autres surfaces.
Qu’est-ce qui t’intéresse le plus en ce moment : la complexité technique ou l’émotion visuelle ?
L’émotion visuelle.
J’arrive à la complexité technique par l’émotion visuelle. Ma motivation est toujours de créer quelque chose qui provoque une émotion.
C’est cela qui me guide.
Comment imagines-tu l’avenir des métiers d’art dans l’horlogerie ?
Je pense que nous verrons de plus en plus d’artisans indépendants collaborer ponctuellement avec des marques.
Il y aura peut-être quelques cas de collaboration plus permanente, mais ce que je vois chez les meilleurs artisans, c’est précisément cette capacité à travailler avec différentes marques et différents langages visuels sans perdre leur identité propre.
Penses-tu que le public a conscience du temps et du travail nécessaires pour créer ces pièces ?
Pas encore tout à fait.
Beaucoup de ces métiers restent méconnus. Les gens n’imaginent pas le niveau de précision nécessaire, le temps que cela demande ou la délicatesse du processus.
Mais il revient aussi aux artisans et aux marques de mieux communiquer sur ce travail et d’expliquer ce qui rend ces pièces spéciales.
Préfères-tu créer peu de pièces très spéciales ou produire de façon plus régulière ?
Je préfère clairement peu de pièces spéciales.
Cela permet de créer une émotion différente dans chaque pièce. Cela permet aussi de garder une relation beaucoup plus proche avec ce que je suis en train de faire.
Qu’aimerais-tu que quelqu’un ressente en prenant en main une montre dotée de l’un de tes cadrans ?
J’aimerais que la réaction soit simplement : « waouh ».
Que la personne ait envie de continuer à bouger la montre pour voir les reflets, les jeux de lumière et les changements de couleur.
Et au fond, qu’est-ce qui t’enthousiasme vraiment dans l’acte de créer ?
Créer quelque chose de beau.
Je crois que c’est cela, au bout du compte : essayer d’ajouter un peu de beauté au monde.
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